¿Me das un trozo de tu corazón?

Hay películas que desprenden sensibilidad desde el primer fotograma. “Once”, es una de ellas. Sin alardes técnicos y sin demasiado bombo, John Carney consigue llevar a cabo un proyecto lleno de momentos inolvidables. Alejándose de lo que se considera un musical al uso, Carney escribe y dirige una historia que sin buscar pretensiones nos arrastra canción tras canción, a la búsqueda de esa cosa –en muchas ocasiones bastante abstracta- que llamamos amor. 

Aunque en un principio, Carney pensó en Cillian Murphy para la película, tras la negativa del actor, al proyecto le fue difícil encontrar una financiación. Con poco dinero y muchas ganas, Carney tiró de amigos y ha conseguido un poquito del corazón de cada espectador. Carney sabe como, sin caer en la ñoñería, hacernos felices y salir de sala con la sensación de encontrarnos con un mundo mejor.

Las canciones compuestas por Glen Hansard (solista y guitarrista de The Frames), que van hilando la historia de dos personas: un chico (el propio Glen Hansard) y una chica (Markéta Irglová). Hay química, ternura, y deseo entre estas dos personas. Hay un algo que te clava en pantalla y te hace respirar más fuerte. La música, de una fuerza avasalladora, nos produce algunas de las mejores escenas de la película.

No se corta el director, en tenernos tres minutos de canción en la escena. No se azora en buscar planos sensacionales y en hacernos recordar que en el cine… hay que disfrutar.

"No te conozco
Pero te quiero
Principalmente por eso
Las palabras caen a través de mí
Y siempre me engañan
Y no puedo reaccionar
Y los juegos nunca cuentan
Más de lo que significan
Acabarán jugando a si mismos.

Toma este bote agujereado y llévalo hacia mi casa
Aún tenemos tiempo
Alza tu voz de esperanza, tienes una elección
Debes hacerlo ahora.

Cayendo lentamente, los ojos que me conocen
Y no puede volver atrás
Atmósferas que me toman y me borran
Y me pintan de negro
Ya has sufrido lo suficiente
Y luchado contra ti misma.
Ya es momento de que ganes.

Toma este bote agujereado y llévalo hacia mi casa
Aún tenemos tiempo
Alza tu voz de esperanza, tienes una elección
Debes hacerlo ahora.

Toma este bote agujereado y llévalo hacia mi casa
Aún tenemos tiempo
Alza tu voz de esperanza, tienes una elección
Debes hacerlo ahora.
Cayendo lentamente, canta tu melodía
Yo la cantaré contigo."

La canción ganó el Oscar. Recompensa para una película independiente rodada en poco más de veinte días y con un presupuesto que no supera a los 150.000 dólares: el filme ha ganado más de veinte millones de dólares en taquilla. 

Personajes unidos por una aspiradora que acaban haciendo un dueto en una tienda de instrumentos musicales y entonces salta la chispa. 

Filme que justifica la aparición de la música englobada en la historia. Por una letra íntima cantada a oscuras, a un perdido amor y en la soledad de la pérdida aparecen canciones escritas por corazones rotos. Los personajes hablan y se desnudan con las canciones. 

¿Un musical sin ser un musical? Posiblemente sea uno de los pocos filmes que no bordan ese pretendido ridículo e inverosimilitud. Aún así la película de John Carney alcanza un punto cursi, tal vez pretendido para amoldar la historia a las situaciones que plantea.

Película viva y revitalizante de improvisación cinematográfica callejera. Merece un visionado. Aunque sólo sea Una vez.

"Es que me siento solo y tú eres fabulosa ".

Watchmen

Watchmen es la adaptación fílmica de la serie limitada de cómics ganadora del Premio Hugo homónima, escrita y dibujada por Alan Moore y Dave Gibbons respectivamente. Su historia transcurre en un 1985 alternativo y sigue a un grupo de ex vigilantes mientras la tensión entre los Estados Unidos y la Unión Soviética aumenta drásticamente. La película, dirigida por Zack Snyder y protagonizada por Patrick Wilson, Jackie Earle Haley, Malin Akerman, Billy Crudup, Jeffrey Dean Morgan, Matthew Goode, Stephen McHattie y Carla Gugino, comenzó a filmarse en Vancouver en septiembre de 2007 y su estreno fue el 6 de marzo de 2009.

La historia transcurre en 1985, en un universo paralelo donde los superhéroes existen, Richard Nixon aún es el presidente de los Estados Unidos, la guerra de Vietnam fue ganada por el Sur y la tensión entre dicho país y la Unión Soviética está alcanzando su punto extremo. El vigilante Rorschach (Jackie Earle Haley), quien se encuentra investigando la muerte del Comediante (Jeffrey Dean Morgan), cree descubrir un plan para desacreditar y asesinar a varios héroes. El plan resulta ser una conspiración de proporciones gigantescas que involucra a sus colegas del pasado y que podría cambiar drásticamente el curso de la historia.

La guerra judicial abierta entre la 20th Century Fox y Warner Bros. por los derechos de la película no tuvo un final ni rápido ni amistoso. Las dos grandes productoras, lejos de de intentar llegar a un acuerdo después de que el Día de Navidad un juez Federal de Los Ángeles sentenciara que la Fox tiene los derechos de autor de la película, al menos el de la distribución de la cinta que ha rodado Warner. Los dos gigantes de Hollywood se enrocan en sus posturas y estaban dispuestos a prolongar su lucha en los tribunales. Los responsables de la Fox estabandispuestos a hacer todo lo posible para impedir que la cinta se estrene el día previsto por Warner, el 6 de marzo de 2009, y pidieron formalmente que se retrase su puesta de largo en los cines.




La mugre acumulada de todo el sexo que practican y de todos los asesinatos que cometen les llegará a la altura de la cintura y todas las putas y los políticos alzarán la cabeza y gritarán: “¡sálvanos!”… y yo miraré hacia abajo y susurraré “no”

I'm legend

Bob Marley tenía una idea, era una idea más propia de un biólogo, creía que se podía curar el racismo y el odio, curarlo literalmente, inyectando música y amor en las vidas de la gente.
Un día, cuando iba a tocar en un concierto por la paz, unos matones se presentaron en su casa y le pegaron un tiro. Dos días más tarde se subió al escenario a cantar. Alguien le preguntó que por qué, a lo que respondió:
Los que intentan hacer de este mundo un lugar peor no se toman ningún día libre… ¿Por qué iba a hacerlo yo?...
Hay que iluminar la oscuridad…

Soy leyenda es una película protagonizada por Will Smith y dirigida por Francis Lawrence. El filme es una adaptación de la novela homónima de Richard Matheson, en la que un hombre, es el último superviviente de una pandemia mundial que ha convertido a la humanidad en vampiros. La película sitúa la trama en Nueva York, en vez de en Los Ángeles, tal y como acontece en la novela. La cinta fue estrenada en Estados Unidos el 19 de diciembre de 2007.

Me llamo Robert Neville. Soy un superviviente que reside en Nueva York. Si hay alguien ahí... cualquiera, que sepas que no estás sólo...

Robert Neville es un brillante científico, pero ni él pudo contener el terrible virus hecho por el hombre y sin cura alguna. Ahora Neville, inmune, es el único ser humano en lo que queda de la ciudad de Nueva York y quizá del mundo. Durante tres años Neville ha enviado todos los días mensajes de radio, desesperado por encontrar cualquier otro superviviente que pueda estar ahí fuera. Pero no está solo. Mutantes, víctimas de la plaga (los infectados) están al acecho en cada sombra... vigilando cada movimiento que haga esperando a que un día cometa un fatídico error.
Puede ser que la última esperanza de la humanidad resida en Neville: encontrar una manera de hacer desaparecer los efectos del virus utilizando su propia sangre. Sin embargo, él sabe que le superan en nuevo y que el tiempo se le acaba...



La película antes de terminar fue alterada dramáticamente, con la mayoría de los cambios realizados en la escena de la lucha entre Neville y los infectados en su laboratorio. El supervisor de efectos visuales Janek Sirrs relata el final original que se daba después de la lucha: "En ese momento, la hipótesis sobre la naturaleza de estas criaturas de Neville resulta ser incorrecta. Vemos que se ha conservado algo de su humanidad. Es un momento muy importante entre el macho alfa y Neville." David Schaub dijo, "Entonces, Neville finalmente cura a la hembra alfa, este momento es de un poco de amor entre los dos". Los infectados recuperan a la hembra alfa y la vida de Neville es repuesta. El final muestra que Neville, Ana y Ethan cruzan los restos del Puente de George Washington con la esperanza de encontrar otros supervivientes, acompañados de una grabación de Ana a los supervivientes diciéndoles que hay una esperanza.

Los Goonies

Los Goonies trata de un grupo de muchachos que se hacen llamar  Goonies, encuentran un mapa de un tesoro. Como no tienen nada que perder y mucho que ganar, ya que con dinero lograrían que no los echaran a ellos y sus familias del lugar donde viven, deciden ir a buscarlo. Evidentemente, y como todos sabemos, correrán la aventura de sus vidas.

Actores que cumplen todos perfectamente con su cometido, aunque en un principio alguno de los chicos es un poco cargante, pero a medida que avanza el film a uno no le queda más remedio que encariñarse con ellos. Sean Astin, que muchos años después acompañaría a Frodo en la búsqueda de un anillo, interpreta al personaje principal. Algunos de sus compañeros son Ke Huy Quan, el niño con sus inolvidables inventos que nunca funcionan, salvo en los momentos menos esperados. Es probable que este actor fuera sugerido por Spielberg, ya que a sus órdenes hizo una de las obras maestras del Rey Midas, ‘Indiana Jones y el Templo Maldito’. Pero quien destaca es Jeff Cohen, haciendo de niño regordete y hambriento que no para de hablar y que es un manazas. Está sencillamente sensacional. Enfrentándose a ellos, Robert Davi hace un divertido papel, y Anne Ramsey, la jefa, es enormemente carismática.

 
Los protagonistas son niños, viven aventuras de niños, y los ogros del cuento son malvados de cartoon. Hay amor, hay emoción, hay muchos gritos, hay diversión, y sobre todo hay un buen hacer de Richard Donner, que bajo el control de un niño llamado Steven Spielberg, nos regala una de las películas para la familia más inteligentes de todos los tiempos. Y con inteligencia no quiero decir que sea un film trascendental o que nos hable de cosas importantes (que lo hace a pinceladas). La película es una película de aventuras, y como tal, está impresionantemente bien dirigida, siendo el resultado un film altamente disfrutable de principio a fin. Y lo que es más importante, y que no me canso de repetir en otras ocasiones, no trata a los niños como si fueran tontos, algo que últimamente no se puede decir de muchas películas. Ya les gustaría a algunas actuales de enorme éxito ser la mitad de buenas que ‘Los Goonies’.
 
 

La presentación de personajes es sencillamente genial. Casi todos aparecen en las escenas de inicio con los títulos de crédito, para luego ir juntándolos en lo que yo considero un prodigio de introducción a la historia, y aquí una vez más, hay que destacar el impresionante montaje, y también los actores que parecen moverse como pez en el agua delante de la cámara.

Bien se podría decir que la película es una especie de variante de las aventuras de Indiana Jones, y cierto es que hay varios homenajes al famoso arqueólogo. Por ejemplo, Davi saliendo de la cárcel con un sombrero puesto en una escena que parece realizada por Spielberg. Y luego, toda la parte que transcurre dentro de las cuevas subterráneas. No debería de sorprendernos, y además me parece bien. Spielberg es el creador de la historia, y estuvo presente durante el rodaje, dando muchos consejos a Donner, en la época en la que Spielberg se pasaba más tiempo en los sets de rodaje de las películas que producía. No hay duda de que ésta es una de sus mejores producciones.

El tema principal de la película es The Goonies 'R' Good Enough interpretado por la cantante Cyndi Lauper. En 1985 sacó el disco The Goonies 'R' Good Enough en el que incluyó el tema what a thrill que también aparece en el largometraje.

"Aquella no era una cárcel, era una universidad del crimen. Entré con un bachillerato en marihuana y salí con un doctorado en cocaína"

"Sin duda Blow (una película estadounidense de 2001 basado en el libro "Inhala: De cómo un pequeño muchacho de pueblo hizo $100 millones con el Cartel de Medellín y de cómo lo perdió todo" inspirado en hechos reales, dirigida por Ted Demme y el guión escrito por David MacKenna y Nick Cassavetes) es un de las mejores películas que he visto en mi vida. Por muchos aspectos:
primero porque narra una historia real en la que se envuelve un hombre, George Jung, el cual recoge todos los aspectos tanto positivos como negativos que pueden aparecer en la vida...

Algunas personas dirán: ...era un traficante de drogas, un deshecho social y sí lo era pero tras gramo y gramo de cocaína se esconde un paso, eso sí en falso, de la existencia de un hombre que luchó por sus ideas, las cuales las confundió con ese preciado oro blanco.

Un hombre , el cual no quería ser como sus padres, no quería tener escasez de dinero, nunca quería verse abajo como se vieron sus padres y por eso luchó, de forma equivocada por su vida arrastrando a muchas personas, las cuales después le arrastraron a él.

En la película se ve el ascenso al poder y como este puede corromper definitivamente tu vida y tu familia(mujer e hija) la cual "formó" de manera equivocada, el poder lleva a mas poder y el dinero lleva a mas dinero . Esos conceptos no fueron entendidos por nuestro protagonista George Jung (Johnny Deep) y acabó con su vida. Actualmente George Jung ,el mayor narcotraficante de cocaína de los años 70 en los Estados Unidos y personaje en el cual se basa este magnífico film cumple condena todavía...

El refrán : "el hombre puede tropezar dos veces con la misma piedra" , en cierto modo resume la secuencia de esta magnífica película basada en un hecho real.

Magnífico Jhonny Depp , Penélope Cruz y el resto del reparto.

Todavía entre el frio tacto de los barrotes, nuestro personaje: George Jung seguirá imaginando que algun día su hija irá a visitar a su padre..."

"La vida es como el mar, tienes que ahogarte para sentir su intensidad."

Benditos sean los olvidadizos, pues superan incluso sus propios errores

¡Olvídate de mi! (Eternal Sunshine of the Spotless Mind) es una película del año 2004, dirigido por Michel Gondry. Protagonizado por Jim Carrey y Kate Winslet en los papeles principales.

Obra maestra. Perfecta. Personajes admirables.
Una película real como la vida y sin embargo de ciencia ficción. Una película divertida, trágica, romántica, dolorosa hasta el infinito. Los pequeños detalles ayudan a comprender la situación temporal de las escenas en el contexto del film, escenas perfectas que pasan de un escenario a otro con luces apagándose por un pasillo, con puertas que dan a donde no deberían.
Joel es un ser atormentado, tímido, incomprendido, triste por naturaleza y sin embargo vivo y divertido. Clementine es su antagonista, su opuesta, su pareja perfecta.
La película deja escenas y frases que son imposible de olvidar;
La increíble banda sonora de Beck "Everybody's gonna learn sometimes" la hace aun más atractiva.
Una de las mejores películas de los últimos 10 años, por imaginación, dirección, guión (ganadora del Oscar por el guión original) y realismo para contar algo tan inverosímil.
Una cama en la playa.
Un hombre enterrado en arena.
Un último recuerdo.

"Muchos hombres creen que soy un concepto o quizás que les complemento o que voy a darles vida, solo soy una mujer jodida que busca su paz de espíritu, no me asignes la tuya."

"Como son felices las vírgenes inocentes, el mundo olvidando por el mundo olvidado, eterno resplandor de una mente sin recuerdos, cada plegaria acepta y cada una con resignación."

"¡¡Deseame feliz día de San Valentín cuando llames!!"

"Por la mañana ya no existirás, el perfecto final para esta historia de mierda."

"¿Por qué me enamoro de cada mujer que veo que me presta un poquito de atención?"

"Podría morir ahora, Clem. Estoy tan... feliz. Yo nunca sentí eso antes. Estoy exactamente... donde quiero estar."

"- Me voy a casar contigo... sólo lo sé.
- Ok."

"Qué desperdicio haber pasado tanto tiempo con una persona sólo para averiguar que es una extraña."

Por favor, déjame conservar este recuerdo... solo este.

Bueno, no estamos en el fin del mundo pero desde aquí se ve

- ¡Todas las mujeres estáis locas!

- Tiene razón.

Thelma y Louis son dos amigas que emprenden un viaje de fin de semana porque están hartas de todo. Thelma (Geena Davis) es ama de casa y tiene que soportar al machista de su marido. Louis (Susan Sarandon) trabaja de camarera y vive esperando que su novio le pida matrimonio. Deciden irse a olvidarse de todo por la carretera. La película, de Ridley Scott, parece que tuvo bastante más éxito en Europa que en Estados Unidos. Ha sido siempre muy valorada por la crítica, aunque los espectadores americanos no la trataron muy bien, porque no llegó ni al número 27 en la lista de las películas que más recaudaron. Pero sí que se llevó algunos óscars, entre ellos al guión más original.

Se estrenó en 1991, y choca que ya entonces se lanzaran mensajes tan feministas. Thelma y Louis se revelan contra los hombres, y en su camino descubren nuevas perspectivas, un nuevo mundo que les hace ser más libres.

Sintiéndolo mucho por aquel que no la haya visto, os dejo el final de la película, porque es la más mítica:

Incluso, Los Simpsons recrearon esta escena en el capítulo en el que Marge empieza a salir con su vecina. Como no he podido encontrar el video, os dejamos con una imagen del momento.

La pequeña pícara

La pequeña pícara es un film de 1991, dirigida por John Hughes, que ha dirigido otras películas más conocidas como las 5 de Beethoven, las 3 de Solo en casa, Solos con nuestro tío... y unas cuantas más de las típicas que nos hemos cansado de ver año tras año. No sé si habréis visto La pequeña pícara, pero seguro que os sonará. Esta la ponían concretamente en navidad (todas las navidades). No sé vosotros, pero yo no me la perdía.

Está interpretada por James Belushi, Kelly Lynch y Alisan Porter, que da vida a la pequeña Curly Sue. Bill Dancer y su pequeña acompañante, Curly, forman una simpática pareja de vagabundos, que van de ciudad en ciudad, tratando de conseguir algo de comida y un lugar para dormir. La fortuna no les ha sonreído hasta el momento, pero su suerte cambia cuando Bill es atropellado por una rica y atractiva abogada de Chicago, que los acoge en su casa.

Por si todavía no sabéis de qué película se trata, igual esta escena (creo que una de las más recordadas) os suena de algo:

4º ACURT este sábado

Este sábado 29 de mayo se celebra la cuarta edición del festival de cortos ACURT en el local ACAR (Asociación Cultural de Amigos de lo Rarito).

El Festival de Cine tiene como objetivo principal la promoción y difusión de los cortometrajes que contribuyan en mayor medida al desarrollo del lenguaje cinematográfico a todos los niveles.

La proyección pública de las obras, que será de libre acceso, se realizará en la sede social ACAR entre las 16 h. y las 22 h.

El sistema de proyección será, única y exclusivamente, en formato DVD y se realizará mediante proyector de video.

Dado el carácter cultural y sin ánimo de lucro de esta asociación, este festival tiene como finalidad exponer las creaciones que cada persona puede realizar en el ámbito cinematográfico. Se trata básicamente de hacer un maratón de cortos en un ambiente de “buen rollito”. La intención es dar a conocer las creaciones y por ello los premios serán simbólicos.

El año pasado fue un éxito. Este festival va cada año a más. Cada vez más participantes, de diferentes países, más variedad... Os dejamos con la selección que se podrá visualizar este sábado:

Si queréis pasar un buen rato, calle Josep Ballester 7 (bajo) de 16 a 22. Al lado de la estación de Cabanyal.

¿Nací mona y también hija de puta o la sociedad me ha hecho así? No dejo de planteármelo...

Hard Candy (Un dulce difícil)  es una película de 2005 dirigida por David Slade.

Con una brutal interpretación, Ellen Page se ha situado con esta gran ópera prima del director nóvel David Slade en una de las actrices jóvenes más prometedoras que se hayan podido ver en mucho tiempo y en una más que digna competidora hacía las también enormes Scarlett Johansson y Natalie Portman, a las cuales Ellen no tiene absolutamente nada que envidiar en lo que a talento interpretativo se refiere.

Secundada por un gran actor, visto recientemente en "El Fantasma de la Ópera", Patrick Wilson, también enorme en un papel física y emocionalmente difícil, Hard Candy se convierte en un "tour de force" interpretativo como pocos se han visto últimamente. Pero no son sólo las interpretaciones de estos dos interesantes actores las que consiguen hacernos temblar sino además un guión muy, pero que muy cuidado (pulido multiplicidad de veces) junto con unos dialogos mordaces y tensos, la sobriedad de un único escenario como desarrollo del film y la fantástica química existente por los dos únicos actores protagonistas de toda la película. Todo ello dan lugar a una obra maestra "extraña" pero, al fin y al cabo obra maestra que no deja indiferente a nadie y que debería ser vista por cualquier persona que se precie de ser cinéfila. Por último queda claro que Hard Candy ya se ha erigido como un film no apto para el gusto unánime del publico y que será tan vapuelada por unos como amada por otros; Pero es precisamente esa gran variedad de opiniones lo que la convierte en un interesantísimo largometraje (desencadenante de numerosos debates) que pasará a englosar la lista de las llamadas "películas de culto".

Dejando a un lado todo lo dicho Ellen Page ya constituye una única razón por sí misma para visionar esta polémica película que desagradará a más de uno (y con razónes). Finalmente, con unas situaciones increíblemente tensas y terroríficas, Hard Candy consigue lo que se propone sin enseñar ni una sola gota de sangre y dejando todo el protagonismo a la mente humana, a la imaginación de cada uno de nosotros que nos jugará más de una mala pasada.

"- ¿Sabe tu madre que le cortas las pelotas a los hombres?
- Pues nunca lo he hecho antes, tal vez se lo diga cuando llegue a casa. A ver que me dice..."

    

Ninfomanía

Diario de una ninfómana es una película española de 2008 dirigida por Christian Molina y basada en la novela autobiográfica de Valérie Tasso.
Valérie (Belén Fabra) tiene 28 años, es una mujer atractiva con estudios universitarios y una situación económica acomodada. Su característica principal es su gran curiosidad sexual, que la convierte en una mujer liberada que busca constantemente nuevas experiencias que sacien esta adicción. Lo que la lleva a acostarse con quien quiere y cuando quiere, este hecho tendrá sus aspectos positivos y negativos, ya que tras todas estas experiencias Val convierte el sexo en su forma de vida, se trata de una droga para ella, a través de la cual encontrará un tortuoso amor y llegará a ejercer la prostitución, en ambos casos sufriendo situaciones extremas que la harán sufrir y replantearse su vida.



El cartel de la película basada en el Best Seller de Valérie Tasso Diario de una ninfómana fue censurado ante la indignación de algunos sectores conservadores de España. Como nosotras somos muy liberales, hemos hecho un remake de este cartel tan polémico.

¿Puedes hacerte un favor? Mueve los dedos de tu mano. Para ti es fácil. Claro, yo soy incapaz de mover un sólo dedo y no sabes cuantas veces de repente me imagino que mi mano se empieza a mover y los dedos también, y me levanto de la silla y echo a correr. Y puedo tocar las flores, sentir el terciopelo y acariciar a una mujer tan hermosa como tu. Deberíamos querernos más. "Nunca renuncies a algo que realmente anhelas porque luego te arrepentirás, créeme." Siempre nos damos cuenta de las cosas demasiado tarde, desde que tuve el accidente, cada vez que veo a alguien le doy un consejo. ¿Qué consejo? Que aprovechen de verdad todos los días de su vida, pero de verdad. "Disfruta de la vida todo lo que puedas".
Y pudo tocar la hierva, sentir el terciopelo. Lentamente empecé a acariciar mi cuerpo, por fin había descubierto que camino debía seguir: El de ser yo misma.

Soy una mujer promiscua, si, porque pretendo utilizar el sexo como medio para encontrar lo que todo el mundo busca, reconocimiento, placer, autoestima y en definitiva amor y cariño. ¿Qué hay de patologico en eso? Si quereis ponerme un nombre, adelante. No me importa. Pero sabed que lo que soy en realidad es una Nereida, una Adriada, una Ninfa sencillamente.

- ¿Porque no entras y te cambias?
- No puedo, me tengo que ir.
- ¿Qué vas a hacer ahora?
- ¡Vivir!

Nosferatu, el vampiro

Película muda del año 1922 filmada por el alemán F. W. Marnau. Murnau quiso realizar una adaptación cinematográfica de la novela Drácula, de Bram Stoker, pero su estudio no logró hacerse con los derechos de la historia. De modo que decidió filmar su propia versión de la novela y el resultado es una película que tiene un gran parecido con la historia original de Stoker. El nombre de "Drácula" se cambió por el de "Nosferatu" y también se cambiaron los nombres de los personajes.

Ahora, la obra Nosferatu de Murnau pertenece al dominio público en Estados Unidos, y existe un gran número de copias en vídeo, generalmente de muy baja calidad ya que provienen de copias hechas a partir de otras copias de las primeras cintas distribuidas para la exhibición internacional. Muchas de ellas presentan diferencias notables de metraje, puesto que en cada país se exhibió una versión diferente de la película. Así pues, la copia francesa no es la misma que la alemana, por dar un ejemplo. No obstante, recientemente se han publicado ediciones restauradas de la película en las que se ha recuperado casi todo el metraje completo de la película original. La reconstrucción más fiel de la película fue presentada en el Festival de Berlín de 1984.
Este film clásico es reconocido por varias de sus escenas, aquí os dejamos las más influyentes:

Puesto que la película es de domino público, es posible verla desde cualquier web, así que aquí os la dejo, disfrutadla.

Los eduKadores

- Las drogas estrangulan la energía revolucionaria de la gente.

-¿La hierba también?

-No, la hierba está bien. Las drogas que produce el cuero tampoco están mal, molan un huevo.

-¿La adrenalina o qué?


-Si bueno, hay miles.. Endorfinas...

-Las hormonas de la felicidad cuando estás enamorado..

-Ahora estás hablando de drogas duras, hay que tener cuidado ocn esas.

-Tienes que intentar no convertirte en un drogadicto.

-El miedo es una droga alucinante. No dejar que el miedo te controle, usarlo como motor, require práctica. Colocarte en una situación en la que e mures de miedo, al principio te entra pánico, pero al cabo de un rato empieza a funcionar el sistema de autoprotec´ción del cuerpo, y cada vez te atreves a hacer más cosas. Acabas superando tus límites y te sientes capaz de cualquir cosa.

-¿Lo sabes o solo lo piensas?

-¡Claro que lo sé! Lo he probado mil veces...

The edukatos es una película alemana creada en el 2004 por Hans Weingartner,  en la que actúan Daniel Brühl y Julia Jentsch como protagonistas. Este film fue nominado a la Palma de Oro como mejor película de 2004 en el Festival de Cine de Cannes.

La película narra los eventos sucedidos a tres activistas anticapitalistas (aparentemente anarquistas): Jule, Peter y Jan .
Jule es una camarera que trabaja para pagar la deuda por haber chocado un lujoso auto de un millonario(Hardenberg), debido a los compromisos de la deuda no puede pagar la renta y debe mudarse con su novio Peter que a la vez comparte el apartamento con su amigo Jan.
Peter decide tomar vacaciones en Barcelona, por lo que deja a su novia con Jan quien revela a esta las actividades a que se dedican con Peter durante las noches, los jóvenes entran a las casas de personas millonarias desordenan las cosas y dejan mensajes como "Sus días de abundancia están contados" con lo que pretenden causar terror psicológico a los millonarios ya que no roban nada. Jule pide a Jan entrar a la casa de Hardenberg quien adeuda el dinero y que se encuentra de vacaciones. Tras realizar sus actividades Jule olvida su telefono celular en la mansión por lo que se ven obligados a regresar. Ya adentro son vistos por Hardenberg quien regresa inesperadamente, por lo que deciden llamar a Peter quien también ha regresado de su viaje y entre los tres deciden tomar como rehén a Hardenberg conduciéndolo a una casa de campo de un pariente de Jule donde permanecen por varios días mientras resuelven qué deben hacer.

Allí se genera una relación sentimental entre Jan y Jule que afecta la relación de amistad entre los tres, finalmente deciden regresar a Hardenberg a su hogar quien promete no denunciarlos, luego aparentemente no cumple su promesa y al poco tiempo acude con un operativo policial a la vivienda de los jóvenes, allí encuentran la casa vacía y en la pared una nota que dice "Manche Menschen ändern sich nie" (algunas personas nunca cambian). Peter, Jan y Jule ya han "escapado" a Barcelona después de haber solucionado sus diferencias y desde allí continúan con sus planes anticapitalistas, utilizando el yate y los recursos que financia Hardenberg, consumándose la idea anterior de Jan de volar las antenas de una isla de telecomunicaciones poco vigilada que provee la señal de televisión a gran parte de Europa Occidental.

LOST IN TRANSLATION

"El día más aterrador de tu vida es el día que nace tu primer hijo. Tu vida, la que conoces, se acaba, y nunca volverá; pero luego aprenden a caminar y a hablar y quieres estar con ellos, y acaban convirtiéndose en las personas más deliciosas que conocerás en toda tu vida"

Bob Harris (Bill Murray) es un actor de mediana edad que se encuentra en Tokio para realizar sesiones fotográficas publicitarias. Está casado, pero su matrimonio ha entrado en una fase de aburrimiento. Respecto a la vida Harris se siente melancólico. En el hotel donde se hospeda conoce a Charlotte (Scarlett Johansson), la joven esposa de un fotógrafo que está trabajando durante unos días en otros lugares del Japón, de forma que ella se encuentra sola en Tokio.
Entre Harris y Charlotte se establece una relación de mutua comprensión, que se va estrechando a lo largo de los días en los que están juntos. Cada uno puede aprender algo del otro.
Este film dramático de 109 minutos, dirigido por Sofia Coppola y producido por Francis Ford Coppola se produjo entre  Estados Unidos  y Japón en el año 2003 .
Como es una película que nos gusta mucho,  unas amigas estudiantes de diseño gráfico, que se hacen llamar las cinco refrikis, nos han ayudado a hacer una remake de las escenas que caracterizan esta película (gracias chicas!!).
Para hacerlo, primero que nada realizaron un story board:

Y aquí están los resultados:

“Cuanto más sabes quién eres, y lo que quieres, menos te afectan las cosas”

Top ten musicales del cine

Dicen que los musicales son uno de los géneros más americanos. Cine, música, un gran espectáculo que alcanza todo su esplendor cuando llega a la gran pantalla. Se dice que The jazz singer, de Alan Crosland, fue el film que bautizó este género en 1927.

En 1929 fue la primera vez que un musical, The Broadway melody, se llevó un óscar a la mejor película. Hoy os traemos una selección de los 10 mejores musicales que nos ha dado el cine. Tras investigar un poco, hemos visto que la mayoría se repiten. Finalmente hemos optado por el top ten que hemos encontrado en un blog de cine.

En el puesto nº 10, Moulin Rouge, de Baz Luhrmann. Ya hablamos de esta película, estrenada en 2001, donde descubrimos las voces de Nicole Kidman y Ewan McGregor. Os dejamos con el famoso can can, uno de los bailes más característicos de este cabaret parisino.

En el noveno puesto está Siete novias para siete hermanos, de Stanley Donen. Todo un clásico del cine que se estrenó en 1954. En este caso, un video de Daniel Sánchez Arévalo, director y guionista español, comentando este musical.

En el puesto ocho, Grease, de la que también hablamos hace muy poco. Así que ahora os dejamos otra canción mítica de este musical que ha hecho historia. Summer nights.

El puesto siete lo ocupa All that jazz, de Bob Fosse, de 1979. Obtuvo varios óscars, y entre sus protagonistas está Jessica Lange.

El quinto puesto es para Chicago. Dirigida por Rob Marshall en 2002 y protagonizada por Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere, aunque fue interpretada por primera vez en 1975. Aquí una de las actuaciones de Catherine Zeta-Jones, All that jazz.

En el número cuatro, My fair lady, un musical de 1964. Fue dirigida por George Cukor y tiene como actriz principal a la famosa Audrey Hepburn. El 1954 se estrenó en Broadway, y tiene el récord de ser el musical más representado de la historia.

Y nos acercamos al ganador. El tercer puesto es de Cabaret, también de Bob Fosse. Liza Minnelli fue la protagonista de este musical de 1974. También fue un gran éxito en Broadway, y hoy en día lo sigue manteniendo. Life is a cabaret.

En segundo lugar, West side story, un musical de 1961 que nos dejó una gran canción como America. Está inspirada en Romeo y Julieta de Shakespeare, y ganó nada más y nada menos que diez óscars.

Y el puesto número 1 es para Cantando bajo la lluvia, un musical de 1952 dirigido por Stanley Donen. Merece ser el primero, porque ¿quién no ha cantado alguna vez esta canción bajo un paraguas?

Y bien, ¿qué opináis? ¿Son merecidos estos puestos? ¿Nos hemos dejado alguno?

Un logro histórico, una magistral obra de cine

"1. Démolition d´un mur es un film de poco más de un minuto y medio que Louis Lumière rueda en la fábrica Lumière de Monplaisir a comienzos de 1896. Su primera proyección pública tuvo lugar el nueve de marzo de ese mismo año. Como otras tantas de las vistas animadas que los célebres hermanos rodaron por esas fechas, aquí vemos el desarrollo de una acción en la que Auguste Lumière se reserva el papel de capataz al dirigir a unos obreros en la faena de derribo. Dicha acción tan sólo dura cuarenta y cuatro segundos. El metraje del film se prolonga, hasta llegar a un minuto y treinta y dos segundos, con la repetición de un gesto que, al parecer, tenía lugar –con gran regocijo del público- durante las primeras exhibiciones: el proyeccionista accionaba al revés la manivela del aparato y el muro se elevaba de nuevo entre el polvo de su misma caída. Tal vez nos encontramos ante el primer truco de la historia del cine, surgido de su propia naturaleza como espectáculo. Arte del tiempo y de su transcurso, éste podía ser manipulado y originar inopinados cambios perceptivos en los espectadores. Sabemos el partido que Georges Méliès extrajo de esta específica singularidad del cinematógrafo, pero nos interesa más poner de relieve un aspecto de la invención de los Lumière que complementa al que acabamos de señalar. En el curso del tiempo de las imágenes, éstas también podían ser fijadas y esos “fragmentos embalsamados” de tiempo a los que alude André Bazin fueron ya intuidos, más de cincuenta años antes, en las crónicas de la primera sesión de cine. Leemos en el periódico La Poste del treinta de diciembre de 1895: “Cuando todos puedan fotografiar a los seres queridos no ya en su forma inmóvil, sino en su movimiento, en su acción, en sus gestos familiares, con la palabra al filo de los labios, la muerte dejará de ser absoluta.”

2. La melancólica observación del anónimo cronista de La Poste nos hablaba de una vocación implícita del cine por practicar una suerte de redención del tiempo: al fijar el momento en la intensidad misma de su vivencia nos liberamos, pasajeramente, de la implacable condena del fluir temporal que a todos nos somete. Fincher inscribe, en el arranque mismo de su film, el alucinado gesto de Mr. Gateau que construye un reloj cuyas manecillas funcionan al revés, invirtiendo el paso del tiempo y así poder resucitar a “…las víctimas de la Historia”, como señala Carlos Losilla. [2] Cuando vemos a los soldados de la Primera Guerra Mundial retroceder en su acción bélica, volviendo así de nuevo a la vida, asistimos a la perfecta simbiosis de un mito de los orígenes del cine trascendido en su mecánica por la emoción, también fundadora, de la pertinente reescritura del melodrama clásico que el film pone en pie. Y una reescritura compleja en tanto descentrada de la operación de sentido fundadora del género: la reminiscencia del pasado en el presente puesta de manifiesto en la irradiación melancólica del objeto a través del punto de vista del sujeto que lo contempla. [3] La ficción de El curioso caso de Benjamin Button pone en escena un acto enunciativo – la lectura del Diario del protagonista- que se conjuga en el presente mismo de su enunciación: Caroline lee dicho Diario a su madre agonizante en un hospital de Nueva Orleans y que es, en principio, la destinataria de su escritura. El espectador irá sabiendo, en el desarrollo de esa lectura, hasta qué punto Caroline se encuentra también implicada en la misma. Y los solapamientos/desplazamientos de las voces narrativas (Benjamin que escribe en 1985, Caroline que lo lee en 2005) atesoran más de una emoción en un film pródigo en ellas. Dice Eliot en el arranque del primero de sus Four Quartets (“Burnt Norton”): “Si todo tiempo es eternamente presente/ Todo tiempo es irredimible”. [4] David Fincher y su guionista, Eric Roth demuestran tener una clara vocación proustiana: conquistar el tiempo a través de la alquimia operada por la experiencia artística y que nada tiene que ver con el autocompasivo cáncer de la nostalgia sino con la exacta e implacable precisión de la memoria.

3. Samuel Beckett sintetiza, en una contundente imagen alegórica, el destino del ser humano en la tierra: la madre que da a luz en el borde mismo de una abierta fosa fúnebre. Toda la tradición de la filosofía existencial nos demuestra hasta qué punto el efímero itinerario del hombre -ese Ser para la muerte heideggeriano- en el mundo queda compensado (¿?) por la lucidez de la experiencia adquirida. La infancia de Button transcurre en un asilo donde las vidas se apagan y la tarde es como una tregua melancólica. La experiencia de la muerte marca el tránsito del niño-viejo Benjamin al maduro-joven-adolescente. Su deambular por el mundo puede asimilarse a una novela de aprendizaje, un Bildungsroman en la tradición que Goethe inaugurara en su Wilhelm Meister, tantas veces seguida por el cine. Y los personajes que se encuentra y le cuentan sus historias tienen una ejemplar densidad novelesca, como ese londoniano Capitán Mike (Jared Harris en estado de gracia), artista de su propio cuerpo o esa mujer, en el otoño de la vida, que al acariciar el rostro de Benjamin percibe el aire de todos los océanos que lo han curtido. En su desaprendizaje del tiempo, el protagonista, paradójicamente, adquiere un saber del relato que se manifiesta y culmina en la narración del accidente de Daisy. El acto narrativo se pone aquí en escena manifestando toda la combinatoria de sus posibilidades, todos sus efectos de omnisciencia, a través de la lógica causa- efecto del montaje clásico. El resultado no es tan sólo de una gran brillantez- pocas veces nos es dado ver en cine algo parecido- sino también revelador de una dimensión metaficcional que nos invita “…a la reinvención del relato”. [5] En contrapartida, el relato del anciano que cuenta las siete veces que le cayó un rayo encima se nos muestra en tomas unipuntuales de formato cuadrado y en blanco y negro, asimilables al cine de los orígenes: un saber tan repetitivo como el gesto formal de su narración.

4. Detener el momento en la hermosura de su plenitud –rumores de un hotel solitario a altas horas de la noche, el gesto congelado de una bailarina en el escenario- es placer cansado. Y prolongar en los hijos el amor que se ha experimentado hacia su madre es algo que al protagonista le está vedado. La siniestra aparición de un Benjamin adolescente, tan sólo unos años mayor que su propia hija, ubica a la ya madura Daisy –pese al correlato perverso que supone irse a la cama con un menor- en el ingrato papel de Wendy en el capítulo final de Peter Pan. La paternidad como hecho imposible es el tema que subyace en este film de agónica belleza. Ya presente, por metonimia, en los logos de las dos productoras que lo han financiado -Warner y Paramount son aquí mosaicos de botones- alcanza su mayor patetismo en el gesto del hijo llevando al padre a hombros, como hiciera Eneas con el suyo huyendo del incendio de Troya, emblema clásico de la pietas latina, para que contemple su último amanecer desde el embarcadero. Más tarde (¿o más pronto?) será en ese mismo lugar donde Benjamin cobre conciencia, junto a Daisy, del insondable vértigo que supone desear amarla para siempre.

5. El último plano del film nos muestra el reloj de Mr. Gateau, que sigue marchando al revés, mientras la inundación provocada por el huracán Katrina invade y anega todo. No puede obviarse esta profunda dimensión simbólica del film y Gonzalo de Pedro la describe así en una posdata política a su ya mencionada reseña de Cahiers España : “…Frente a la idea tan extendida (en parte por el cine y la literatura) de Estados Unidos como un país por inventar, Fincher propone la lectura contraria: la de un país nacido viejo, con arrugas y traumas, que necesita dar marcha atrás al reloj para reinventarse…El tiempo del ‘presente’ en la película es, y de nuevo no puede ser casualidad, el del día en que el huracán Katrina arrasó Nueva Orleáns. Y mientras descubrimos la historia inversa de Benjamin Button, tras las ventanas se desata el infierno: la catarsis, la lluvia capaz de limpiar y aniquilar para empezar de cero. La metáfora política es más que evidente: un hombre que personaliza el cambio y un cierre apocalíptico pero reparador”. Por su capacidad de aludir, al mismo tiempo, a sus mecanismos engendradores de sentido y al tiempo histórico en el que éstos se manifiestan -el deseado fin de la era Bush- El curioso caso de Benjamin Button destaca con luz propia en el actual panorama cinematográfico."

(Juan Miguel Company, profesor titular de la Comunicación Audiovisual en la Universidad de Valencia y crítico de cine)